981 Heritage

ARTISTAS

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SILVER APPLES

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Durante décadas, la música espacial, discordante y experimental de Silver Apples y Contact, los dos únicos discos que el dúo neoyorkino Silver Apples publicó entre 1967 y 1969 para después disolverse, ha sido escuchada con veneración y mencionada como influencia por infinidad de grupos de estilos diferentes, desde el rock alternativo hasta la psicodelia y la electrónica experimental, o si no que se lo pregunten a Brian Eno, a Spacemen 3, a Stereolab o a Sonic Youth. En 1996, casi 30 años después de la desaparición del grupo, el éxito alcanzado por la re-edición de sus dos discos motivó a Danni Taylor y a Simeon a resucitarlo. La elección del verbo no es caprichosa: su regreso a los escenarios parecía irreal después de tantos años porque casi todo el mundo había dado por supuesto hacía tiempo que Silver Apples pertenecían al pasado.

Su reunión dio como fruto tres discos más publicados en 1998 y un proyecto de gira truncado por un accidente de coche que le costó a Simeon una lesión grave en el cuello. Tuvieron que pasar nueve años para que esa gira—ahora ya sin Danni Taylor, fallecido en 2005—echase a andar.

Tras sus visitas a España de 2008, 2011 y 2014 tenemos nueva oportunidad de ver en directo a una leyenda de la música que puede presumir como nadie de ser considerado uno de los precursores de la electrónica y de la fusión de electrónica, psicodelia y pop. Quien no lo haya visto aún, no se lo puede perder.



BATTLES

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Los neoyorquinos son unos de los máximos representantes del math rock. Fundados en 2002 por Ian Williams (guitarrista y teclista), funcionaron como cuarteto que trabajaba con el ruido y la experimentación, sin caer en la etiqueta de música sofisticada, hasta que Tyondai Braxton (guitarra, teclados y voz) abandonó la nave durante la grabación de su segundo álbum, "Gloss Drop" (2011). Pero aunque reconvertidos en trío a la fuerza y por sorpresa, con John Stanier (batería) y Dave Konopka (bajo, guitarra y efectos) respaldando a Williams, no han perdido ni un ápice de atractivo. Y con la publicación de su tercer álbum, "La Di Da Di" (2015), han ratificado que si bien la voz de Braxton era el elemento pop que abría la puerta a los oyentes para que entrasen en sus complejas estructuras, algo que en "Gloss Drop" sustituyeron deprisa y corriendo con aportaciones de diversos colaboradores cantantes (Gary Numan, Matías Aguayo, Yamantaka Eye), en sus últimas canciones, instrumentales todas, la combustión musical que proponen, esas propulsivas composiciones suyas, ahora sin voces que la ralenticen ni normalicen, es aún más impactante. "Un consumado triunfo artístico" (Magnet); "Battles piensan fuerte y golpean aún más fuerte" (The New York Times); "los músicos claramente se emoción al empaparse con todos los sonidos posibles de sus instrumentos, haciendo de 'La Di Da Di' uno de los más satisfactorios viajes de 2015 al sonido desconocido" (Boston Globe). Además de los citados trabajos, cabe recordar que la banda sacó su primer LP, "Mirrored", en 2007 y que previamente, en 2006, publicaron "EP C / B EP", una compilación de dos EPs y del single "Tras”.



MICHAEL ROTHER

Michael Rother and band - Photo by Marc Emerik

Para muchos fans, músicos y críticos, Michael Rother es una figura clave en la innovadora escena musical procedente de la Alemania de principios de los 70. Pionero del motorik, su música ha sido fuente de inspiración para generaciones de músicos, desde David Bowie (con el que en su día rechazó colaborar), Brian Eno (con el que sí colaboró), Iggy Pop o DEVO a Oasis, Sonic Youth, Stereolab, Autechre o Radiohead, entre muchos otros.

En 1971 y con solo 20 años, Rother fue reclutado junto al batería Klaus Dinger como musik arbeiter por Kraftwerk, abandonando la formación poco después para formar NEU!, alias bajo el que editarían 3 discos y pariendo clásicos del krautrock como Hallogallo e himnos protopunk como Hero. Tras NEU!, Rother forma Harmonia, junto a Hans-Joachim Roedelius y Dieter Moebius de Cluster, antes de lanzarse a una carrera en solitario en la que durante su 3 primeros discos el batería fue Jaki Liebezeit de CAN.

En 2010 forma el proyecto Hallogallo 2010 con Steve Shelley (Sonic Youth) y Aaron Mullan (Tall Firs), apareciendo en varios All Tomorrow’s Parties en el Reino Unido, España y EE.UU. Para su gira australiana de 2012 Michael Rother invitó a Dieter Moebius (Cluster, Harmonia) y a Hans Lampe (La Düsseldorf).

En la actualidad la banda que acompaña a Michael Rother está formada por el guirarrista Franz Bargmann, ex-miembro del grupo berlinés Camera y Hans Lampe, el batería que tocó en el álbum NEU! '75 y miembro de La Düsseldorf junto al difunto Klaus Dinger.



ROSALÍA & RAÜL REFREE "LOS ÁNGELES"

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ROSALÍA & RAÜL tienen nombres que empiezan por R. Y un amigo en común que los unió. Desde ese momento no han podido dejar de imaginar proyectos el uno con el otro, algunos imposibles, otros como este que empieza aquí, vivos y mutantes. El dúo sobrevive en la cuerda floja del flamenco, colinda la tradición con la experimentación, y reúne el valor de los inconscientes para realizar algunas fechorías fuera de los límites de los puristas. Es flamenco y lo contrario también. Es experimentación pero también al revés. Es folclore ruidista sin electricidad y barullo emocional con los pies en el suelo. Vaya, es lo que es.

ROSALÍA es muy joven, pero lleva ya casi una década en los escenarios. Ella es una de las voces más prometedoras y personales del flamenco actual. Conocedora de la tradición pero con la actitud de los experimentadores y la inteligencia de los veteranos, su voz es emocionante tanto en los pianos finos y abellotados como en los momentos en que saca a pasear a la bestia. Ha trabajado con la Fura dels Baus, Chicuelo o Rocío Márquez, entre otros, y está preparando junto a RAÜL su primer disco.

RAÜL se ha convertido en un nombre de referencia de la producción y la guitarra. Experimentador y personal, su nombre figura en algunos de los discos más importantes de los últimos años. Rocío Márquez, Sílvia Pérez Cruz, Kiko Veneno, La Mala Rodríguez o Christina Rosenvinge son artistas junto a los que ha trabajado recientemente. También ha producido el último trabajo de Lee Ranaldo (Sonic Youth). Como guitarrista, su amor por el flamenco le ha llevado a incorporar los recursos propios de este estilo en su particular manera de tocar -como si Marc Ribot, Ian MacKaye y Pepe Habichuela montaran un grupo.



CATE LE BON

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Galesa, llamó la atención internacional por primera vez en 2007, cuando teloneó a su paisano Gruff Rhys (Super Furry Animals), con quien guarda bastantes similtudes, en un solo tour que este dio por el Reino Unido. Poco después puso su voz en un single de Neon Neon (en 2006 había hecho lo mismo en el primer disco de Richard James -repitió en el segundo, en 2010- y en uno de Matt Davies, el líder de Funeral For A Friend). No fue hasta 2008 cuando sacó su primer EP, en galés, seguido poco después por un single descrito tal que así por el antes citado Gruff Rhys: “Es como si Bobbie Gentry y Nico se pelearan encima de un teclado Casio. ¡Y que quien venciese fuera la melodía!”. Nico, esa es la comparación recurrente, aunque Cate es menos sirena y más excéntrica, como Dusty Springfield susurrando nanas. Un año más tarde, en 2009 -entre colaboraciones varias con miembros de Gorky's Zygotic Mynci's y Super Furry Animals-, llegó su primer LP, “Me Oh My”, al que siguió un período de más aportaciones en obras de terceros (The Glentle Good, Meilyr Jones, Boom Bip...). El segundo apareció a principios de 2012, titulado “Cyrk”. “Cada una de sus diez canciones es de una sencillez muy bella, sonando como si hubieran ido pasando, a través de la tradición oral galesa, de generación en generación”, escribieron en "Q". Tras el EP “Cyrk II” de ese mismo año, durante 2013 se trasladó a Los Ángeles, publicando aquel noviembre su tercer larga duración, “Mug Museum”. Más colaboraciones en grabaciones ajenas (Kevin Morby, Willis Earl Beal) y ser la telonera de Manic Street Preachers (además de aparecer en un corte de su LP “Rewind The Film”) la mantuvieron en el candelero, hasta que en 2015 se enfrascó en una nueva aventura, DRINKS, a medias con Tim Presley (White Fence), cuyo disco de presentación, “Hermits On Holiday”, apareció ese agosto. En abril de 2016 ha publicado "Crab Day", su cuarto LP, que la reafirma como una de las principales voces actuales del folk pastoral post-punk.



PETER BRODERICK

Peter Broderick - press photo by Joshua Rain_01_PRINT

El compositor de Portland presenta nuevo trabajo con el sello Erased Tapes. “Partners” es un disco basado en la voz y el piano.

Peter Broderick lleva más de una década con una trayectoria llena de meandros, de zonas tranquilas y de descensos abruptos, siempre buscando su propio lenguaje. Discos en solitario, bandas sonoras, música para danza y documentales, instalaciones de arte o discos con banda, Broderick siempre ha buscado su lugar en el mundo a través de la música.

Llega ahora con un nuevo giro en su trayectoria. Su último trabajo (que se publica el 19 de Agosto de 2016) es una imprevisible grabación de voz y piano en la que Peter experimenta con el azar y lanza los dados en cada canción buscando que el caudal encuentre el cauce adecuado. Con John Cage en el espejo, y presente en el proceso, el de Portland busca la forma de automatizar su proceso alejándose de la propia música.

Sin duda, “Partners” es un disco de una belleza cristalina y se aleja en composición de los pianistas coetáneos a Broderick que andan buscando formas de epatar alejadas de lo puramente musical.



WOODEN SHJIPS

Copy of Wooden Shjips by Anna Ignatenko

El ascenso de Wooden Shjips desde el underground psicodélico ha sido un proceso constante. Con cada nuevo lanzamiento, la banda ha encontrado forams diferentes de transformar un embriagador rock psicodélico en obras maestras minimalistas, acercando las distancias entre el frenesí de Les Rallizes Denudes y Crazy Horse y la simplicidad envolvente de Suicide y the Velvet Underground.

Wooden Shjips comenzaron, tal y como son ahora, en 2006. La banda autoeditó un 10" y un 7" ese mismo año y comenzaron a dar conciertos poco después. Antes del 2006, Wooden Shjips eran un experimento en rock primitivo y minimalista. Posteriormente, Ripley Johnson (guitarra y voz) formó la composición actual de la banda con Dusty Jermier al bajo, Nash Whalen al órgano y Omar Ahsanuddin a la batería. Todas sus grabaciones, tanto autoeditadas como para Holy Mountain y Mexican Summer se hicieron gradualmente en el estudio de ensayos de la banda. Publicado en 2011, Westfue su primer álbum hecho en un verdadero estudio de grabación. En un total de seis días, fue grabado y mezclado en Lucky Cat Studios en San Francisco.



NIÑO DE ELCHE

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2016 empezó con fuerza para NIÑO DE ELCHE. Ganador absoluto en las listas de Lo Mejor de 2015 (El Pais, Rockdelux, Mondosonoro…) lleva ya más de 20 conciertos con sus diferentes proyectos en estos primeros 6 meses y ha visitado Inglaterra, Alemania, Francia, Austria y Bélgica. Casi nada.

Voces del Extremo, último trabajo de NIÑO DE ELCHE, ha sido sin duda uno de los discos destacados del 2015, apareciendo en muchas de las listas del año más influyentes (Mejor Disco del Año para El Pais y para Rockdelux, Mejor Concierto del Año y Mejor Canción para Rockdelux, y en los primeros puestos de las listas de Mondo Sonoro, El Periódico, Babelia, Notodo…

Producido por Daniel Alonso (Pony Bravo) en colaboración con Raúl Pérez y Darío del Moral, Voces del Extremo recoge textos de poetas contemporáneos como Antonio Orihuela, Inma Luna, Bernardo Santos o Begoña Abad, enmarcados en la llamada poesía de la conciencia.
 Siguiendo la línea marcada en anteriores trabajos, Voces del Extremo no es un disco de flamenco en el sentido clásico, con música basada en palos tradicionales. Se trata de un disco de canciones interpretadas en base a técnicas que vienen en algunos casos del flamenco, y en otros, más cercanas a géneros musicales como el kraut rock, el ambient o la new wave de finales de los 70 y principios de los 80.

NIÑO DE ELCHE es un cantaor atípico. Artista multidisciplinar que combina el cante y el toque flamenco con la performance, la poesía, la libre improvisación, el minimalismo, la canción de autor, el rock, el canto en movimiento o la electrónica, entre otras disciplinas, intercala sus proyectos personales con colaboraciones con creadores inclasificables como Pedro G. Romero; el poeta Antonio Orihuela y el artista Isaías Griñolo con los que comparte la propuesta “Cantes Tóxicos”; los coreógrafos y bailarines Juan Carlos Lérida o Belén Maya; o grupos de rock, pop o música experimental como Pony Bravo o Los Voluble.

LO QUE DICE LA PRENSA

“Arte real y auténtico” EL PAIS

Miraculum y quilos de estupefacción.” MONDO SONORO

"El suyo es uno de los discursos más sólidos y de los cerebros mejor amueblados que se nos ocurre imaginar sobre una tarima, más allá de que la modernidad le bendiga hasta con una portada del Rockdelux.” EL PAIS



MAÏA VIDAL

Maia Baja

Aunque parezca que su música venga de las estrellas, Maïa Vidal nació en California, su padre es franco-español y su madre germano-japonesa. Creció en Itaca, estudió en Montreal y lleva 6 años viviendo entre Barcelona y Nueva York. Su música, como su historia personal, es una mezcla ecléctica de géneros que entreteje el folk, la electrónica y diversas músicas del mundo para crear un estilo nuevo que ella ha bautizado como Eclectro-Pop.

Después de haber girado por el mundo con sus dos primeros discos, la joven autora vuelve al escenario con un electro-dúo: una mezcla poderosa de batería electrónica y sonidos digitales con los dulces tonos de arpa, piano y una voz angelical que llega desde la sonrisa.

Acompañada por Giovanni Cultrera, Maïa Vidal nos presenta una carta de amor abierta, su tercer disco, "You're the Waves"(Crammed Discs) el cual suena en las radios de Francia, Japón, y EEUU.